Здесь вы можете выкладывать свои собственные наработки, которые могут уложиться в рамки букв и знаков препинания. Ваши стихи и проза должны располагаться здесь!!!
«БАРДОВСКАЯ ПЕСНЯ: ИСТОРИЯ, СОВРЕМЕННОЕ СОСТОЯНИЕ, ВОСПИТАТЕЛЬНЫЕ ВОЗМОЖНОСТИ» Квалификационная работа ч.1
Введение
Развитие музыкальной культуры подрастающего поколения — проблема, которая требует сего¬дня от учителей музыки поиска оптимальных и эффективных путей решения. Именно в музы¬ке, как ни в каком другом виде искусства, наблюдается противоречие между накопленным веками "золотым фондом" мировой музыкальной культуры, реальными возможностями пользоваться им и практически полным отсутствием потребности современных школьников общаться с высоким искусством, неадекватностью его восприятия и нежеланием приобщаться к нему. Этому способ¬ствует содержание радио и телевизионных программ, направленных только на развлекатель¬ность; аудио и видео продукция также придерживается курса "попсовой" музыки. Этому "помогает" отсутствие во многих школах уроков музыки, неучастие семьи в музыкальном разви¬тии ребенка и многое другое. Противостоять этой "всепроникающей" музыке, не требующей для восприятия никаких усилий, приходится учителю музыки. На музыкальных занятиях в школе изучается музыка разных эпох и направлений. Одним из таких направлений является бардовская музыка. В настоящее время ей уделяется не так много времени и существует небольшое количество методических рекомендаций, благодаря которым можно организовать урок по изучению музыки бардов в школе. Этот жанр относится к массовой молодежной культуре и в то же время занимает по отноше¬нию к ней позицию "противодвижения", поскольку его основное качество — личностность, ин¬дивидуальность. Любой учитель знает, как тяжело работать с подростками. В.Сухомлинский определил главнейшую причину этой трудности: воспитательная практика выступает перед подростками в обнаженном виде, а человек в этом возрасте по самой своей природе не хочет чувствовать, как его воспитывают. Они стремятся отстраниться от всего детского, не выносят запретов и тем более нравоучений. Мир подростков характеризуют избыточная эмоциональность, полярность суждений и оценок. Этот возраст — пора сомнений и противоречий, поиска самого себя, определения своего места в жизни, становления нравственной позиции. По меткому выражению Э.Шпрангера, "это возраст врастания в культуру". Поэтому учителю музыки нужно сделать так, чтобы культурные ценности стали лично значимы для подростков. Для этого требуется создать особые условия общения с ними, говорить на близком для них языке, в естественной, непринужденной обстановке доброты, взаимопонимания, сотрудничества, сопереживания. Такую обстановку на уроке музыки помогает создать авторская песня. Она не подражает профессиональному искусству, а представляет собой продукт самостоятельной творческой деятельности. Песня — это самореализация, самоутверждение, личное видение мира. Школьники-подростки, исполняя и слушая эти песни, видят за каждой из них интересную, неординарную личность. Это не вымышленный супергерой из приключенческого фильма, не поп-звезда, а реальный человек, живущий рядом, со своими мыслями, сомнениями, размышлениями. Искренность, открытость, доверительность, отсутствие фальши — отличительные признаки авторской песни, и это необходимо подростку. Причем у школьников складывается ощущение того, что ему это не навязано, возникает адекватное восприятие музыкально-поэтического образа. По замечанию Н.Цыпиной, "союз поэзии и музыки приводит к тому. что восприятие литературного образа становится более эмоционально окрашенным, а восприятие музыкального образа более осознанным". Круг образов авторской песни очень разнообразен; мир сказки, мечты, романтики, доброты, настоящей дружбы — тот мир, который необходим подростку, вступающему во взрослую жизнь. Сейчас, к сожалению, такие понятия, как патриотизм, нравственность, утратили свой первоначальный смысл. И вернуть его помогут такие песни, как "Война", "Баллада о мечте" Анчарова; "Знаю, легче всего" А.Васина; "Не все то золото" Б.Окуджавы; "Каждый выбирает для себя" В.Берковского; "На братских могилах" В.Высоцкого, «Как здорово…» и «Крепитесь, люди, скоро лето» О.Митяева и т.д. В программе Д.Кабалевского есть две песни названного жанра: "Песня о маленьком трубадуре" С.Никитина (V класс) и "Песня туристов" К.Молчанова (VII класс). Но использовать авторскую песню можно гораздо смелее и больше. Мы считаем, что на уроках музыки и во внеурочное время значимость бардовской песни состоит не только в расширении музыкального кругозора учащихся, но и способствует созданию атмосферы сопричастности к непосредственному процессу активного музицирования в благоприятных условиях, которые создает само звучание авторской песни Выбор песни — дело не простое, потому что от художественных достоинств произведений зависит степень эффективности воспитательного процесса. На уроках используются те песни, которые прошли испытание временем и стали поистине "классическими" в области данного жанра. Цель дипломной работы: определить значение бардовской музыки и методы её изучения в общеобразовательных школах. Объектом исследования является процесс музыкального образования детей в старших классах общеобразовательных школ. Предмет дипломной работы: методы и формы знакомства с музыкой бардов. В соответствии с целью, объектом и предметом исследования были определены следующие задачи: 1. определить этапы становления и развития бардовской песни; 2. раскрыть характерные особенности авторской песни; 3. выявить нравственно-эстетическую значимость и возможность применения бардовской (авторской) песни на музыкальных занятиях в школе 4. разработать методические материалы по теме «Авторская песня» для учащихся средних классов. Методы исследования: - анализ литературы, обобщение накопленного материала по проблеме исследования; - наблюдения за музыкально-педагогическим процессом в старших классах; - беседа с учащимися средних и старших классов Практическая значимость исследования определяется тем, что его материалы могут быть использованы в практической деятельности учителей музыки, студентов практикантов как на уроках музыки, так и внеклассной музыкально-воспитательной работе с учащимися средних классов.
Глава I «Теоретические основы изучения музыки бардов» 1.1 История возникновения и развитие музыки бардов.
«Бард (от кельтского bardos, восходит к праиндоевропейскому *gwerh — провозглашать, петь) — поэт и певец. Конкретное значение меняется в зависимости от страны и эпохи. У кельтских народов в древности бардами называли представителей одной из категорий друидов — историков и поэтов. В середине XV века слово бард из гэльского языка вошло в шотландский диалект английского в значении «бродячий музыкант» (по-видимому, с пренебрежительным оттенком). Новый этап бытования слова бард в английской культуре наступил в эпоху романтизма. Институт бардов воспевали многие британские поэты, в том числе сэр Вальтер Скотт. В результате эпитет бард закрепился за Шекспиром и Бернсом. В России с определённого времени бардами стали называть людей занимающихся самодеятельной песней.» (ru.wikipedia.org) Авторская песня существует почти полвека, и к настоящему времени достойно представлена поколениями людей самых разных профессий: физиков, педагогов, геологов, поэтов, актеров - людей, для которых песня - и увлечение и еще одно жизненное призвание. Они создали немало истинных произведений искусства, в которых поэтическое слово гармонично соединяется с мелодией. Это А.Галич, В.Высоцкий, Н.Матвеева, Ю.Ким, Ю.Визбор. Все они были не похожими друг на друга, имели собственное лицо, свой собственный почерк. Авторская песня-это серьезные раздумья о жизни человека, может быть трагические, может быть, острые. Поэзия под аккомпанемент стала противовесом развлекательной эстрадной песне, бездуховному искусству, имитации чувств. Эти песни пишутся думающими людьми для думающих людей. В авторской песне поэтическое слово гармонично соединяется с мелодией, порой просто с гитарным аккомпанементом, и все вместе дополнено неповторимой для самобытного автора исполнительской интонацией. В авторской песне искренни не только те, кто поет свои стихи, но и те, кто выбирает для будущих песен стихи любимых поэтов. Так появились произведения на слова Н.Рубцова, И.Бродского, Н.Заболоцкого, А.Твардовского. Имея любительские истоки, произрастая из бесчисленных студенческих и походных песен-незатейливых, для внутреннего употребления, массовое песенное сочинительство выделило, по сути, новый вид профессионализма. Долгие годы на пути развития авторской песни возводились разного рода преграды и запреты, а творчество многих авторов откровенно замалчивалось. Сегодняшний интерес к авторской песне вызван тем, что наше общество теряет духовность, деградирует, повернуто лицом к массовой культуре. А авторская песня, серьезные стихи-признак духовности. Личность, которая стоит за песнями умеет сказать другим что-то новое, о себе и окружающих, о прошлом и настоящем. Бардовская песня традиционно считалась делом несерьезным. Термин "авторская песня" введен Высоцким, до этого говорили: "самодеятельная песня". Она развивалась, не пересекаясь и не смешиваясь ни с «официальной» песней, ни с поэзией. Согласно древней мифологии авторская песня появилась в IX в. до н.э. Первым, известным истории, бардом был юноша из Делоса. Его ваяли впоследствии скульпторы - лучшие мастера Греции и Рима. Однако - это уже после смерти, когда он был канонизирован и стал патроном искусства, но прежде всего -музыки и пения. Звали его Апполоном, и при жизни он был победителем всех мистерий (что-то вроде нынешних фестивалей). Широко известен также его сын - фракийский бард Орфей. Он был непременным участником элевсинских, египетских мистерий, а также учредителем мистерий своего имени - орфических. Существовала даже орфическая философия, придуманная этим бардом. Смерть его была ужасной: он был растерзан экзальтированными поклонницами. Впрочем, некоторые считают, что о такой смерти настоящий мужчина может только мечтать. Интересная деталь: Апполон играл на фроминге (примитивный музыкальный инструмент). Орфей же использовал для аккомпанемента семиструнную кифару - прообраз гитары. Кифаред Гомер - первый из бардов, чьи песни дошли до нас в виде "Одиссеи" и "Илиады".Апполона канонизировали, из Орфея сделали красивую легенду, а бюсты нищего Гомера украсили лучшие музеи мира. Следы древних авторов то появляются, то исчезают на пыльных тропинках истории: нежнейшая Сафо, буян Архилох, скептически-ядовитый Феогнид. Так что стихи Древней Эллады, зубримые филологами на первом курсе, - это ископаемые окаменелости первых бардовских песен. Менестрели, ваганты, миннезингеры, трубадуры - это Франция, Германия. Слово "барды" пришло из Англии, от кельтских племен. Барды - 1) народные певцы древних кельтских племен. Впоследствии стали профессиональными поэтами бродячими или живущими при княжеских дворах (главным образом Ирландии, Уэльса и Шотландии); 2) Поэты и музыканты, исполнители собственных, т. н. авторских песен. Самый первый бард запел не ради славы. Он хотел согреться. Пещеры были холодные, шкуры тонкие, чай и кофе еще не завезли. Не было даже слов, чтобы душу отвести. Голоса, кстати, тоже не было. Так, рык какой-то - нечто среднее между кашлем мамонта и зевком бизона. Поневоле запоешь от такой жизни. В Древней Греции искренне верили, что музыка может исцелять от недугов - как душевных, так и телесных, поэтому и относились к ней, как к чуду. Они даже придумали для своих любимцев специальный термин: аэды. В переводе с греческого аэды - народные поэты и певцы, исполнители эпических песен. "В почете и уважении у всех людей на земле аэды, потому что петь научила их возлюбившая племя аэдов Муза", - говорит Одиссей на пиру у царя Алкиноя. Вопрос быть или не быть человеку аэдом решался довольно просто: эта профессия передавалась по наследству. Аэды были неизменными участниками всех пиров, торжеств, соревнований и жили припеваючи. Они не только умели повторить песню, сложенную другим певцом, но и сочиняли что-нибудь свое. Причем совершенно безбоязненно. Критиковать аэдов было не принято. Гомер, живший, кстати сказать, в VIII веке до н.э., первый понял, что авторская песня немыслима без автора. А может, ему просто захотелось выделиться из толпы. Гомер пересказал своими словами мифы и предания. Так родились поэмы "Илиада" и "Одиссея". Нельзя не вспомнить и о Древнем Риме. Для Рима было характерно всеобщее увлечение музыкой. Вплоть до консулов и императоров. Особенно усердствовал Нерон, один из самых жестоких и безжалостных римских властителей. Именно он ввел так называемое "греческое состязание", где выступал как поэт, певец и кифаред. То, что Нерон проделывал на сцене, можно смело назвать музыкальной балладой, но во время одного из выступлений вдруг началось землетрясение, и театр стал потихоньку рассыпаться, Нерон не остановился, пока не окончил начатую песню. "Когда он пел, никому не разрешалось выходить из театра, даже по необходимости, - пишет Гай Светоний Тренквилл. - Многие, не в силах более его слушать и хвалить, перебирались через стены, так как ворота были закрыты, или притворялись мертвыми, чтобы их выносили на носилках". Поэтические произведения римлян пелись в сопровождении струнных щипковых инструментов. Гораций свои оды называл "словами, которые должны звучать со струнами". Цицерон говорил, что если от стихов отнять мелодию, то останется "голая проза". Но все это было давно и с течением времени совершенно выветрилось из памяти человечества. Однако, не у всех... В XVI веке великий французский поэт Пьер Ронсар попытался вернуть музыке то блестящее положение, которое она занимала в античной древности. Полуглухой, он тем не менее хорошо играл на лютне. Ронсар вообще считал, что пробным камнем нормальности человека является музыкальность. Стихами Ронсара вдохновлялись Жан Шардавуан, Николя де ля Гротт, Орландо де Лассо и другие композиторы. "Давайте говорить друг другу комплименты!" - написал когда-то Булат Окуджава. До сих пор встречаются люди, которые никак не могут понять, что он имел в виду. А вот скальды (норвежские и исландские поэты-певцы 1Х-Х111 веков), наверное, поняли бы Окуджаву сразу. В продолжение трех с половиной веков они поставляли правителям Норвегии и других Скандинавских стран "любви счастливые моменты" или хвалебные песни комплиментарного содержания. А на мелкие недостатки человеческой натуры просто не обращали внимания. Творчество скальдов - начальный этап в развитии авторской песни, переход от неосознанного авторства к осознанному. Но в процессе этого перехода произошло "короткое замыкание". Скальды невольно нарушили одну из основных заповедей авторской песни: главное что, а не как. По вычурности формы поэзия скальдов не имеет параллелей в мировой литературе. А вот о любви скальды не пели. Любовью назывались отношения, которые устанавливаются между супругами, а в них они не усматривали никакой романтики... Ашуги (или ашыги) - профессиональные поэты и певцы у азербайджанцев и армян, - например, установили такой обычай, согласно которому поэт-певец незаметно и ненавязчиво упоминает свое имя в одной из последних строк последней строфы стихотворения. Этот прием в ашугской поэзии называется "тапшырма" - завет. В старину ашуги в одиночку или с компаньонами-музыкантами путешествовали по стране, давали представления в людных местах, выступали на свадьбах и праздниках. Ашуги очень тепло, почти душевно относились к зрителям и старались не утомлять их продолжительными концертами. Якутские олонхосуты не отличались подобной чуткостью по отношению к своим поклонникам: отдельные поэмы своего эпоса (олонхо) они исполняли по нескольку ночей подряд. Все монологи пелись, а остальная часть декламировалась своеобразным речитативом. Аншлагов у олонхосутов, конечно, не было - все-таки люди привыкли по ночам спать. Но настоящие меломаны приходили еженощно. Олонхосуты превратили свои ночные бдения в "театр одного актера", широко применяя прием звукоподражания. Каждому персонажу придавался свой голос, характерный только для него. Казахские жырау и акыны создавали свои произведения экспромтом, участвуя в песенных состязаниях - айтысах. Делали они это по двум причинам. Во-первых, это был самый короткий путь к славе - имя победителя запомнить легко. А во-вторых, у казахских поэтов-композиторов была очень большая общественная нагрузка. Многие жырау были не только поэтами, но и вождями племен, улусов, племенных союзов, а также батырами - предводителями племен дружины. Некоторые из них выступали в роли абыза (предсказателя, кудесника), то есть толковали сны, различные приметы, пытались объяснять явления природы. Бард в нашем понимании - человек, который пишет стихи, придумывает мелодию и сам исполняет песню. Древним кельтам такое определение показалось бы чересчур узким. Их барды претендовали на большее. В Ирландии поэзия всегда занимала особое место. Соответственно и статус поэта был высоким. В период раннего средневековья поэт совмещал в себе историка, священника, политика. Подобно друиду языческих времен, его почитали и боялись, его словам приписывали магическую силу. "Слово Бога - это я!" - говорил о себе первый ирландский бард, поэт-жрец, друид Амергин. Любимым инструментом бардов была арфа. Большею частью барды состояли на службе у королей и знатных лиц. Принадлежность к привилегированному сословию, многолетнее обучение в специальных школах делало бардов очень влиятельными людьми. Школы бардов существовали на общественные средства, и должны были неукоснительно следовать раз и навсегда установленным правилам стихосложения. Будущие барды учились поэзии бардов. Игра со значением слов, намеренное затемнение смысла создали ей репутацию поэзии "темной" и непонятной широкому читателю. Зато их творчество было историческим документом чрезвычайной важности. По памятникам бардической поэзии можно изучать генеалогию вождей кланов, историю их союзов и распрей. Вот бардам и приходилось в стихах и песнях зарифмовывать княжеские родословные, ритуальные постановления, даже Ивану Мазепе. Кобзари и лирники делились на три группы: исполнители, импровизаторы и творцы новых песен. Репертуар зависел от местных традиций, исторической обстановки, художественного вкуса певцов, а также от запросов публики. Институт бардов существовал на протяжении пяти веков (XIII-XVIII). Нашествие войск Кромвеля в середине XVII века ускорило начавшееся уничтожение клановой системы. Вместе с ней и бардовская поэзия пришла в упадок. Но, как ни странно, именно этот, последний период оказался самым блестящим в ее истории. Много лет дисциплинированные барды старались писать по правилам. Оказавшись в положении изгоев, они неожиданно открыли для себя всю прелесть неофициального, ничем не регулируемого искусства. Слово "трубадур" означает в буквальном переводе изобретателя, сочинителя песен. Поэзия трубадуров сложилась в конце XI века на юге Франции - в Провансе. (Певцов северной Франции называли труверами.) XII и XIII века - эпоха ее расцвета. Среди первых трубадуров встречаются бароны, герцоги и даже короли. Трубадуры владели нотной грамотой. Они сами исполняли свои песни или поручали это менестрелям. Аккомпанементом служили виола, арфа, цитра и другие инструменты. Большинство из нас представляет себе трубадуров певцами любви. В этом взгляде, конечно, есть небольшая доля истины. Но о любви можно петь по-разному; От "Я люблю - и значит - я живу!" (В.Высоцкий) до "Уходишь -счастливо, приходишь - привет!" (Ю.Визбор). Любовь трубадуров была совершенно особого свойства. Один из них так изобразил нам эту рыцарскую куртуазную любовь: "В этой любви, - пишет он, - есть четыре степени. Первая степень - любовь колеблющегося, вторая - просящего, умоляющего, третья - услышанного и четвертая - любовь друга". Эта запутанная любовная теория была придумана трубадурами для отвода глаз. Они вели довольно беспорядочный образ жизни и надеялись, что любовь поможет им измениться к лучшему. Однако дамы начали роптать. Любовь есть любовь, говорили они. Извольте действовать по правилам. Тогда трубадур Джауфре Рюдель придумал новую теорию. Она называлась "любовь издалека". Смысл ее сводился к тому, что настоящий влюбленный не ищет взаимности. Она ему ни к чему. (Слишком ко многому обязывает.) Дамы были на грани нервного срыва. Предъявите доказательства своей любви, говорили они. Нам ведь много не нужно. Тогда трубадуры пошли на некоторые уступки. Они изобрели серенаду - истинно мужской жанр любовной песни. Исполнители серенад появлялись вечерней порой под балконами или окнами своих возлюбленных и, перебирая струны лютни, гитары или мандолины, признавались в любви. Но "все изнашивается, даже горе", как говорил Флобер, и легкомысленные трубадуры в третий раз изменили свою точку зрения на женский вопрос. Побывав в "раю" платонической любви и заглянув в чувственный "ад" страсти, многие из них, не выдержав любовных испытаний, постепенно превратились в женоненавистников. Маркабрюн, к примеру, слагал о женщинах стихи, полные зла и обид, и главной своей заслугой считал тот факт, что он "никогда не любил ни одну женщину, и ни одною не был любим..." Трубадуры были не единственными певцами любви в средневековой Европе. Существовали еще и миннезингеры - немецкие поэты-певцы, авторы и исполнители произведений рыцарской лирики. В XIV веке на смену миннезингерам пришли мейстерзингеры - поэты-певцы из цеховых ремесленников. Все они были люди женатые, с достатком, поэтому идеальная, поэтическая сторона жизни не вызывала у них ни малейшего интереса. Мейстерзингеры объединялись в литературно-певческие общества и отличались поразительным духовным здоровьем. Они пели, чтобы... петь. Неслучайно мейстерзингер в переводе с немецкого означает "мастер-певец", а не "певец любви". Теперь несколько слов о менестрелях. Им пришлось демонстрировать свое разнообразное мастерство на фоне напряженных исторических перемен. Бесконечные Крестовые походы, Столетняя война Англии... Приходилось все время переезжать с места на место. Странствующие артисты были универсальными мастерами: умели сочинять песни, веселые и поучительные сценки, владели цирковыми навыками. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в немецкоязычных странах - шпильманом, гауклером, в Испании - хогларом, в Чехии - герецом. В конце XIV века менестрелями стали называть простонародных музыкантов, скитавшихся по городам и селам. "Было бы наивно рассуждать о каких-то глубинных связях современной авторской песни с поэзией тех самых бардов, труверов и менестрелей, которые бродили по дорогам средневековой Европы, - пишет Б. Савченко. - Общим и там и тут является разве что стихийное стремление поэтически одаренных натур выразить через песню свою боль и радость, свое отношение к миру"... Основоположником авторской песни в Киевской Руси можно считать легендарного Бояна. Боян - песнотворец XI - начала XII веков - слагал славильные песни, воспевающие подвиги князей и их дружины. Автор "Слова о полку Игореве" называет Бояна "соловьем старого времени", "вещим певцом". Таких "соловьев старого времени" было немало. Богатырь Добрыня Никитич, например, был умелым гусляром. Но уж кто с полным основанием мог бы именовать себя самодеятельным автором, так это купец-мореплаватель Садко. Даже став обладателем лавок с "красным" товаром и получая "барыши великие", он продолжал ходить по пирам и "спотешал купцов, людей посадских". Со временем в народной среде выделился слой профессиональных музыкантов-скоморохов. Среди них были актеры комического жанра, певцы и сказители эпических произведений (нередко их авторы), плясуны, акробаты, фокусники, позднее - дрессировщики животных и кукольники. Скоморохи были очень талантливы, но их погубил дух коллективизма. Они объединялись в ватаги и артели - от 70 до 100 человек. Их образ жизни становился все более буйным, почти разбойничьим. В конце концов власти решили от скоморохов избавиться. Особенно отличился на этом поприще царь Иван Васильевич Грозный, хотя он, оказывается, тоже мечтал стать бардом. В один прекрасный день Иван Васильевич подарил народу произведения собственного сочинения. На "стихираре" было начертано (возможно, собственноручно): "Творения Царя Иоанна, деспота Московского". Но в барды Иван Васильевич все-таки не вышел. Так и остался деспотом Московским. Ведь чем интересен бард? Он един в трех лицах: поэт, композитор, исполнитель. А Иван Грозный вывел на сцену хор. Что же касается нашей отечественной истории, то украинские барды ведут свое происхождение от кобзарей и лирников. Кобза, а затем бандура были любимыми музыкальными инструментами украинского народа еще с давних времен. Самые талантливые казаки становились певцами и прославляли боевые подвиги своих побратимов. Даже гетманы играли на кобзах, сочиняли думы и песни. Авторство известной песни "Ой, бща, бща, чайщ-небоз" приписывают сразу двум гетманам - Богдану Хмельницкому и Ивану Мазепе. Кобзари и лирники делились на три группы: исполнители, импровизаторы и творцы новых песен. Репертуар зависел от местных традиций, исторической обстановки, художественного вкуса певцов, а также от запросов публики. Кобзари исполняли думы, исторические, сатирические и бытовые песни, а лирники - религиозно-моралистические псалмы, канты и печальные песни про сиротскую долю. Уже в XVII веке стали возникать братства или гурты кобзарей. У них был свой устав, знамя, касса, суд и даже особый язык. Какими они были - первые кобзари и лирники? Про кобзаря Андрея Шута говорили, что он расставался с бандурой только во время поста. Считал, что кобзарь существует для того, чтобы напоминать людям о Боге. Через его школу прошло свыше 30 кобзарей. Иван Крюковский был не только талантливым певцом и композитором - он стоял во главе кобзарско-лирницкой цеховой организации. Высокий, с длинными белыми волосами до плеч, Крюковский, по словам современников, был похож на вещего Бояна. Архип Никоненко так глубоко переживал содержание своих песен, что в отдельных эпизодах "вибухав плачем". Украинский писатель, историк и этнограф Пантелеймон Ку писал, что кобзарь пел неторопливо, комментировал песни и думы, глубоко вздыхал, качал головой и приводил практические примеры из жизни. Бандурист Федор Гриценко-Холодный был настоящим виртуозом - "мог босыми ногами сыграть на бандуре любой казачок". Но самым известным кобзарем был Остап Вересай. Как его только не называли! И "Гомером в украинской свитке", и "прямым наследником Бояна", и "рапсодом". Французский ученый Альфред Рамбо ставил Вересая в один ряд с аэдами, скальдами, бардами и труверами.
